EL ROCK DE LOS 60 Y 70

Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonidoMotown, una celebración de R&B, soul y funk.

De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría.

En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural.

Luego de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, en 1969, desembocaría en la llamada “nación Woodstock”, un festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas.

De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Con el Festival de Woodstock, realizado en Woodstock, Nueva York en 1969, esa generación del "peace and love" vivió su momento utópico, su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, que ocurrió meses más tarde con el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, en donde un joven de raza negra fue cruelmente acribillado y asesinado por la pandilla de los Hell's Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. El sueño había terminado.

Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos.Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock.

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OBLADÍ OBLADA

El origen del título proviene de una banda de Reggae llamada Jimmy Scott y su Banda Obla Di Obla Da. McCartney comentó, ‘Era un amigo que solía frecuentar alrededor de los clubes y decía con su acento jamaiquino, “Ob-la-di, ob-la-da, life goes on,” (Ob-la-di, ob-la-da, la vida continúa), entonces él se enfadó un poco cuando hice la canción sobre ello. Le dije: -Vamos, Jimmy, es simplemente una expresión.’

Cuando Jimmy Scott necesitó dinero para pagar una fianza (había sido encarcelado por no cumplir con sus pagos de pensión alimenticia), McCartney le pidió a su amigo Alistair Taylor pagar el dinero a cambio de que Scott le cediera los derechos del nombre. Taylor obtuvo el dinero de otro amigo, ya que ninguno de los que formaban la comitiva de Los Beatles cargaba tanto dinero en efectivo.

Paul McCartney la escribió y The Beatles dedicaron una gran cantidad de tiempo en la grabación y el sobre-copiado de pistas. John, George y Ringo llegaron a molestarse bastante. Harrison hace alusión a su frustación en la canción “Savoy Truffle,” que fue grabada tres meses después. En la canción él escribió:

“But what is sweet now, turns so sour (pero lo que ahora es dulce, se torna tan ácido)

John Lennon detestaba esta canción. A él no le gustaban muchas de las canciones que McCartney había escrito últimamente con The Beatles, y sentía que eran trilladas y sin sentido. A Ringo y George también les disgustaba la canción y los tres vetaron el deseo de Paul que fuese promovida como un sencillo.

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Descubra Islandia

Piense en Islandia y le sonará a muchas cosas familares: a Reikiavik a la última; a la bella Laguna Azul, o quizás a exportaciones musicales como Björk o Sigur Rós. Pero esta tierra de bullentes pozas de barro, de géiseres en erupción, de glaciares y cataratas es un auténtico campo de juego para la aventura. 

Sus impresionantes paisajes son una inspiración para artistas y fotógrafos. Islandia es el país con la menor densidad poblacional de toda Europa, con un puro, impoluto y, de alguna forma, mágico paisaje. Los veranos en Islandia son sorprendentemente templados, exuberantes y verdes, con días cada vez más largos hasta el solsticio, que es cuando el sol, a medianoche, sólo besa el horizonte sin ponerse nunca. Durante el invierno puede maravillarse con las increíbles luces ondulantes en verde, azul, amarillo y rosa de la aurora boreal en el cielo. Y los inviernos no son tan fríos como pudiera pensar. Sea cuando sea que visite Islandia, puede estar seguro de la calidez de los islandeses, de su deseo de compartir su cultura con usted y de que no ahorrarán esfuerzos para que su estancia sea de lo más placentera.

Datos básicos

El país:

Islandia es una isla de 103.000 km2, con una altitud media de unos 500 m sobre el nivel del mar. Su pico más alto, Hvannadalshnjúkur, se eleva hasta los 2.119 m, y más de un 11% del país está cubierto de glaciares, incluyendo a Vatnajökull, el glaciar más grande de Europa. 

Energía:

Situada sobre la Dorsal Medioceánica Atlántica, Islandia es un núcleo de actividad volcánica y geotérmica. Treinta volcanes de la era postglaciar han entrado en erupción en los dos últimos siglos, y el agua geotérmica proporciona calefacción no-contaminante para la mayoría de la población. También se aprovechan los ríos para producir energía hidroeléctrica barata. La corriente eléctrica es de 220 voltios, 50 hzos.

La gente:

Islandia tiene una población de unos 300.000 habitantes, de los cuales la mitad vive en la capital Reykjavík y sus ciudades colindantes, en el Suroeste. El Aeropuerto Internacional de Keflavík se encuentra a unos 50 km de la capital. Las tierras altas del interior están deshabitadas (e inhabitables) y la mayoría de los núcleos de población están en las costas.

La lengua:

Islandia fue colonizada por gentes de ascendencia nórdica, en el siglo IX —la tradición sostiene que el primer colonizador fue el vikingo noruego Ingólfur Arnarson, quien estableció su hogar donde ahora se levanta la ciudad de Reykjavík. Los islandeses todavía hablan la lengua de los vikingos, aunque el islandés moderno ha sufrido cambios en la pronunciación y, por supuesto, en vocabulario. Sólo Islandia todavía mantiene otra tradición vikinga: la costumbre de utilizar nombres patronímicos en lugar de apellidos. Al nombre de pila de un islandés o una islandesa le sigue el nombre de pila del padre (o de la madre), con el sufijo —son (hijo) o —dóttir (hija). P ej.: Guðrún Pétursdóttir (Guðrún, hija de Pétur). Miembros de la misma familia pueden, por lo tanto, tener muchos diferentes “apellidos”, lo cual a veces causa confusión entre los extranjeros.

La iglesia:

La Iglesia Nacional de Islandia, a la que pertenece el 90 por ciento de la población, es evangélica luterana. Además de la iglesias luteranas, en Reykjavík hay una catedral católica, en Landakot, con misas todos los domingos. Otras confesiones cristianas y no cristianas también se encuentran en Islandia.

La hora:

A pesar de su situación centroatlántica, Islandia mantiene la Hora del Meridiano de Greenwich todo el año.

Historia:

En el año 930, los colonos islandeses fundaron uno de los primeros gobiernos republicanos del mundo. La antigua Era de la Mancomunidad, descrita en las sagas islandesas clásicas, duró hasta 1262 cuando Islandia perdió su independencia. En 1918, logró su autonomía de Dinamarca, y en 1944, se fundó la actual República de Islandia. El país está gobernado por un Primer Ministro que goza de la confianza del Althingi (el Parlamento) cuyos miembros se eligen en sufragio universal cada cuatro años. También con un intervalo de cuatro años se elige al Presidente de la República. El Presidente actual, el Señor Ólafur Ragnar Grímsson, fue elegido en 1996, sucediendo en el cargo a la Señora Vigdís Finnbogadóttir. El Jefe del Estado no desempeña un papel activo en la política diaria.

Salud:

La esperanza de vida, de 81,3 años para las mujeres y de 76,4 para los hombres, está entre las más altas del mundo, y un buen sistema sanitario tiene por objetivo mantener esta privilegiada situación.

PARA SABER MÁS

NUESTRO BIEN CONOCIDO MOZART

W. A. Mozart

Wolfgang nace en Salzburgo en un piso de la calle Getreidegasse nº 9, el 27 de enero de 1756.

Según su partida de nacimiento fue bautizado en la catedral (S.XVII) ante una pila bautismal de bronce de 1321, de mayor que se haría llamar Wolfgang (por su abuelo materno) Amadeus Mozart. Fue el benjamín(de siete) del matrimonio compuesto por el conocido violinista y compositor Leopold Mozart y de Anna Maria Pertl, de familia de funcionarios públicos. Sus padres se casaron en Salzburgo el día 21 de noviembre de 1747. Su padre era de Augsburg (Bavaria-Alemania) y su madre era nacida en una pequeña villa de Austria, cerca de la frontera con Bavaria. Al contrario de su padre, su madre era más bien conocida como amante de su familia y con un agradable sentido del humor, carácter, algo más despreocupado y alegre que heredó Wolfgang.

Este niño prodigio aprendió muy pronto a componer música, gracias principalmente, a su hermana Nannerl (Maria Anna) unos cinco años mayor que él, a la que más próximo se sentía. Con cuatro años ya destacaba por su buen oído y su padre le puso de seguida a aprender música, si no bien, era el oficio de la familia. Con cinco años conseguía dominar la composición musical. Apenas llegaban sus pies al suelo y ya destacaba delante del piano. Ante el gran talento de su hijo, Leopold decidió presentar una composición del niño ante el príncipe-arzobispo de Salzburgo. Tanto la actuación como el niño agradaron y muy pronto quiso su padre comenzar una gira de recitales por diferentes ciudades europeas.

Wolfgang siempre necesitado del cariño de su madre quiso que ella le acompañara en la gira europea de los Mozart, por lo que también todos sus hermanos le acompañaron. Mozart no tuvo una infancia feliz como cualquier otro niño, desde los cincos años tuvo que trabajar con su padre e ir de giras. No tuvo relaciones con amigos de su edad, solo con adultos. Su padre le tenía de escaparate hasta que algún aristócrata o algún alto cargo de la iglesia le diera una oportunidad de trabajar fijo y que le protegiera, como a otros artistas. Pero no fue así, ya que el arzobispo de Salzburgo era reacio a dejarle demasiado libre por otras cortes y siempre le estaba llamando a Salzburgo. A los doce años ya era un concertista experto y mucho más admirado y querido.

Mozart se acostumbró toda su vida en vivir libre, viajar mucho y el gusto por la variedad. Tampoco tomaba decisiones, para ello ya estaba su padre, quien como manager suyo decidía a donde ir, que música tocar y cuando y como debía interpretar la música.

En su adolescencia se acostumbró a visitar muchas fiestas y en ser el centro de las miradas y a disfrutar de las largas noches. Desde que llegara a la mayoría edad hasta que muriera componía una media de cuatro piezas al mes y su cabeza siempre estaba trabajando sin descanso.

Nunca supo administrarse y siempre vivió al día, por ello murió pobre, aún habiendo compuesto tantas obras y le fueran muy bien pagadas.

Desde 1762 a 1766 los Mozart actuaron en distintas cortes de la realeza, nobleza y alto clero de Europa. Viajaban por largos caminos de polvo en carrozas y apenas tenía tiempo para explorar la ciudad que iban a visitar, siempre con las maletas en la mano. Entre 1767 y 1769 los Mozart apenas salían de Austria o Italia. Entre 1770 y 1776 su vida cambió bruscamente, incluso de protector, ya que con la muerte del Arzobispo de Salzburgo (un gran amigo de la familia Mozart) y con la elección del nuevo, que deseaba atar en corto al joven Wolfgang, apenas salió de su propio país. Para que no viajara tanto como antes, el nuevo arzobispo eligió nombrarle Director de Conciertos Titular de la Corte de Salzburgo, pero con un recorte en la nómina, pasando a cobrar cerca de 200 florines semanales y tan solo contaba con 14 años.

La inesperada y misteriosa muerte de Mozart ha suscitado gran interés desde el principio. En el acta de defunción oficial constaba que el compositor austriaco había fallecido a causa de una «hitziges Frieselfieber» («fiebre miliar aguda», refiriéndose a una erupción cutánea parecida a semillas de mijo), una descripción que no basta para identificar la causa en la medicina moderna y que es demasiado amplia e inexacta, ya que no se llevó a cabo la autopsia debido al avanzado estado de descomposición en que se encontraba el cadáver.

Se han propuesto una multitud de teorías sobre la muerte del compositor, incluyendo triquinosis, gripe, envenenamiento por mercurio y un extraño achaque en el riñón. La práctica de sangrías en los pacientes era común en la época y también se cita como un posible factor que contribuyera a su muerte. Sin embargo, la versión más ampliamente aceptada es la muerte por una fiebre reumática aguda. Es conocido que tuvo tres o incluso cuatro ataques desde su infancia y esta enfermedad es recurrente, con consecuencias incrementalmente más serias en cada ataque, como una infección descontrolada o daño en las válvulas cardiacas.

PARA SABER MÁS

Y para que disfrutéis un fragmento muy cortito de su sonata para piano en Sol M.

LOS INSTRUMENTOS MUSICALES QUE YA HAS ESTUDIADO

Xilófono

Es un teclado de láminas de madera que se percute con baquetas de madera. Su uso es habitual en las orquestas. Las láminas estaban dispuestas en forma de trapezoide, pero hoy se fabrican con una disposición similar al teclado de un piano. Se utiliza como parte del conjunto de la percusión y para papeles más importantes, de carácter tenebroso y fúnebre, como el sonido de los huesos de un esqueleto. Hay ejemplares con un teclado que acciona unos macillos mecánicamente.

Violoncello

Es un instrumento de cuatro cuerdas con arco derivado del antiguo bajo de viola. Reemplazó a la viola da gamba a partir del siglo XVII. Es el tenor de las cuerdas, aunque en los cuartetos de arco actúa el papel de bajo. Afinado como la viola, pero una octava más abajo, por lo que utiliza la clave de fa, aunque en ocasiones también emplea la clave de do en cuarta línea y aún la de sol en segunda. Se ejecuta apoyando el puntal extensible en el suelo y reclinado entre las piernas.

Piano

Nació en el siglo XVIII con la intención de mejorar el control dinámico y la expresividad de los instrumentos de tecla como el clave y se convirtió en una potente herramienta para la composición, el arreglo, el acompañamiento, la música de cámara y el medio sinfónico. Este instrumento tiene cuerdas percutidas por macillos afelpados en el interior de una caja de resonancia. Esos macillos se accionan por teclas y un complejo mecanismo de muelles y contrapesos.

Violín

Es un instrumento de cuatro cuerdas frotadas con arco, sostenida perpendicular al cuerpo del intérprete entre el hombro izquierdo y el mentón. Es el instrumento más representativo de la música erudita europea e integra de modo privilegiado la orquesta, donde se agrupa en dos bloques de primeros y segundos violines, compuestos por diez o más músicos. Asimismo, participa en la música de cámara (en especial en los cuartetos de arco, junto a la viola y el violoncello), así como también en algunos géneros populares.

PARA SABER MÁS

LA MÚSICA EN LA PINTURA DE DEGAS

LA CLASE DE DANZA 1873-1875

La danza es un tema recurrente en la obra de Edgar Degas, y a él dedicó más de la mitad de su obra, entre pinturas y esculturas.

Si bien pintó varios cuadros representando bailarinas en escena, el artista sentía especial predilección por los ensayos y los descansos. Quizás parte de éste interés se revela en las analogías que existen entre el ballet clásico, un arte que requiere gran precisión y equilibrio, donde la perfección sólo se alcanza con la práctica y la repetición sistemática; y el estilo y la metodología pictórica de Degas, de una elevada precisión. 

La clase de danza (La classe de danse) es una de las pinturas donde Degas comienza a describir el movimiento de forma magistral. Se trata de una composición cuidadosamente construida. La escena se desarrolla en una pieza organizada según una perspectiva muy marcada que permite una lectura clara del espacio. En el centro del salón se encuentra Jules Perrot, un famoso profesor de danza que, junto con su compañera María Taglioni, había sido la estrella del ballet parisiense. 

El maestro tiene un bastón y parece estar hablando con la bailarina enmarcada por la puerta o refiriéndose con algún comentario a ella. Sin embargo, Perrot no consigue captar la atención de toda la concurrencia: el grupo de bailarinas del fondo adopta posturas relajadas y no parece prestarle demasiado interés. Podemos observar que estas bailarinas se encuentran acompañadas de sus madres, como era costumbre entonces, puesto que en el París de la época el ballet no era una actividad respetable y muchas bailarinas caían en el ejercicio de la prostitución. 

Dentro del grupo del fondo, la muchacha situada de pie con los brazos en jarras repite la pose de la bailarina del primer término, creando de este modo una sutil diagonal que sigue la línea del entablado. Las paredes están pintadas de verde, y las columnas de mármol se repiten en sucesión vertical dirigiendo la vista hasta el fondo de la estancia, donde una bailarina de pie sobre la plataforma ajusta su collar. En la inclinación del suelo y el desequilibrio y la asimetría de la composición, se aprecia la influencia de los grabados japoneses que afectaba entonces a las vanguardias. El contraste entre el espacio vacío de la parte inferior derecha del lienzo es un recurso que aparece a menudo en los trabajos de Degas, así como la composición diagonal, bien determinada en este caso por las líneas del entablado del suelo, que conduce hacia el fondo la mirada. Las cálidas tonalidades terrosas aportan una atmósfera de intimidad que contrasta sutilmente con los vivos colores de los lazos de las jóvenes que aparecen en primer plano. Entre éstas, vale la pena observar en detalle el asombroso realismo con que se rasca la espalda la bailarina sentada sobre el piano, a la izquierda, para comprender por qué Degas estaba considerado uno de los mejores dibujantes de su generación.

El encuadre de esta pintura es producto de la técnica fotográfica de la cual se sirvió el pintor con frecuencia en la realización de su obra. Degas comenzó el óleo en 1873 y lo concluyó entre 1575 y 1876; mide 85 x 75 cm. y se encuentra expuesto en el Musée d'Orsay, París.

PARA SABER MÁS

¿QUÉ ES EN REALIDAD EL ROCK AND ROLL Y QUÉ SIGNIFICA?

El rock and roll es un género musical derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense popularizado desde 1950. Su cantante más influyente fue Elvis Presley; su guitarrista más influyente, Chuck Berry, y sus bandas más representativas como Bill Haley and The Comets.

 

La expresión venía utilizándose en las letras del rythm & blues desde fines de la década de 1930. El vocablo "rock" deriva del término rock and roll, y hoy día conserva dos significados: "un género musical característico y popularizado en los 50" y "cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll".

 

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.

 

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EL REY DEL ROCK

Biografía

¿sigue vivo?

Elvis Aaron Presley nació el 8 de enero de 1935, en East Tupelo, Mississipi. Como hijo gemelo superviviente llevó una vida de apego a su madre, particularmente tras el cambio de residencia a la ciudad de Memphis donde empezó a desarrollar interés por el blues.

Tras graduarse de la escuela secundaria, Elvis se empleó como chofer de tractor en una compañía de electricidad, hasta que decidió acudir a la compañía de discos Sun, para realizar una grabación privada de la canción "My Happiness". Apenas un año después, Elvis regresó con el propósito de grabar un segundo disco privado, que le abriría el camino hacia la fama.

1956 fue un año decisivo en la carrera de Elvis, ya que grabó por primera vez en los estudios neoyorkinos de la RCA En 1958, Elvis Presley ingresó en el ejército de los Estados Unidos de América. El ejército fue el que transformó en hombre al jovencito de las caderas inquietas, regresó a su país transformado, con la chica a la que amaba y con  su hábito por las pastillas para dormir.

Con el nacimiento de su hija Lisa Marie, la popularidad de Elvis recibió un nuevo ascenso. A partir de ese momento, la canciones que cantaba se convirtieron en poemas llenos de amor. Pero era un hombre inestable, pasó de la depresión a la esquizofrenia, de la melancolía a la hiperactividad, de la amabilidad a la ira y a la histeria, de sus 70 kilos de peso a los más de 115 que lo aislaron en las paredes de Graceland.

Las pocas presentaciones personales que Elvis realizó en aquella época fueron de mal en peor. No cabía duda de que el Rey se hallaba gravemente enfermo física, espiritual y emocionalmente. Pocos días antes de su muerte, Elvis ya no coordinaba sus ideas; perdía la Memoria y caía en incoherencias. Fue así que el martes 16 de agosto de 1977 fue encontrado muerto por Joe Esposito, manager y administrador de Elvis.

Al enterarse de la muerte del rey a los 42 años, el mundo cambió su ritmo. Los admiradores llegaron a Graceland para formar parte del cortejo fúnebre que acompañaría a Elvis a su última morada.

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